CHICK COREA HAS DIED! CHICK COREA EST DÉCÉDÉ !

 

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An ode to chick Corea by Victor Wooten Steve Bailey

Une ode à Chick Corea par Victor Wooten Steve Bailey

Traduction française

 

Chick Corea, claviériste et innovateur de jazz, décède à 79 ans

 

Lorsque le jazz et le rock ont été fusionnés dans les années 1970, il fut à l'avant-garde du mouvement. Mais il n'a jamais abandonné son amour du piano acoustique.

 

Par Giovanni Russonello

 

 

Chick Corea, un architecte du boom de la fusion jazz-rock des années 1970, qui a été pendant plus d'un demi-siècle l'un des plus grands pianistes de jazz, est décédé mardi à son domicile de Tampa, en Floride. Il avait 79 ans.

 

La cause est le cancer, a déclaré Dan Muse, un porte-parole de la famille de M. Corea.

 

Le groupe le plus connu de M. Corea était Return to Forever, un collectif fait d’une rotation de musiciens qui a poussé le genre fusion à un plus grand contact avec les influences brésiliennes, espagnoles et d'autres influences mondiales. Il a également fourni à M. Corea une palette sur laquelle il expérimenta un arsenal croissant de nouvelles technologies.

 

Mais tout au long de sa carrière, il n'a jamais abandonné son premier amour, le piano acoustique, sur lequel son toucher pointilleux et son sens aigu de l'harmonie, rendaient son phraser immédiatement distinctif.

 

Un certain nombre de ses compositions, dont «Spain», «500 Miles High» et «Tones for Joan’s Bones», sont devenues des standards du jazz, marquées par ses harmonies rêveuses mais lumineuses et ses mélodies accrocheuses.

 

À la fin des années 1960, M. Corea, toujours dans la vingtaine, s'était déjà imposé comme une force avec laquelle il fallait compter. Il a joué et enregistré avec certains des plus grands noms du jazz pur et jazz-latin, dont Dizzy Gillespie, Stan Getz, Mongo Santamaria et Sarah Vaughan. Ses deux premiers albums en tant que leader, «Tones for Joan’s Bones» (1966) et «Now He Sings, Now He Sobs» (1968), lui ont valu des critiques élogieuses. Les deux sont désormais considérés comme des classiques.

 

Mais c'est jouer dans les ensembles de Miles Davis qui a mis M. Corea sur la voie qui définirait le plus son rôle dans le jazz. Il a joué du piano électrique sur «In a Silent Way» de Davis (1969) et «Bitches Brew» (1970), les albums qui ont sonné la cloche d'ouverture de l'ère de la fusion.

 

Peu de temps après avoir quitté le groupe de Davis, il a aidé à fonder Return to Forever, et il a passé une grande partie des années 1970 à faire des tournées et à enregistrer avec ce groupe, qui fut l’un des ensembles instrumentaux les plus populaires de son époque.

 

Passant en revue une performance au Blue Note de New York en 2006, le critique Nate Chinen, écrivant dans le New York Times, a rappelé le son innovant que M. Corea avait perfectionné avec Return to Forever trois décennies auparavant : «Son piano Fender Rhodes sonnait et gazouillait sur des rythmes latino-américains; des voix féminines mêlées aux mélodies apaisantes d'une flûte. Ensuite, l'ensemble s'est musclé et s'est transformé en un groupe de fusion hyperactif, établissant une présence dans les pop-charts et une base de fans correspondantes. Dans la mesure où il existe un héritage de Return to Forever, il englobe ces deux extrêmes dynamiques, chacun étant une facette de la personnalité de M. Corea. "

 

Au moment de ce spectacle au Blue Note, la carrière de M. Corea entrait dans un chapitre de souvenirs heureux, plein de concerts de retrouvailles et de projets rétrospectifs. Mais il a continué à construire sur les bases qu'il avait posées.

 

En 2013, par exemple, il sort deux albums présentant de nouveaux groupes: «The Vigil», mettant en vedette un quintette électrifié de jeunes musiciens, et «Trilogy», un album en trio acoustique sur lequel il est rejoint par le bassiste Christian McBride et le batteur Brian Blade.

 

Il a maintenu un programme de tournées chargé jusqu'à la fin des années 70, et ses performances au Blue Note en particulier combinaient souvent des retrouvailles avec des associés de longue date et des collaborations avec de jeunes accompagnateurs, mêlant nostalgie et volonté d'aller de l'avant. Ces performances ont souvent trouvé leur place sur des albums, dont "The Musician" (2017), une collection de trois disques tirée de sa résidence de près de deux mois au club en 2011, alors qu'il fêtait son 70e anniversaire en compagnie de sommités telles que le pianiste Herbie Hancock, le bassiste et co-fondateur de Return to Forever Stanley Clarke et le chanteur Bobby McFerrin.

 

À la fin de sa carrière, M. Corea avait enregistré près de 90 albums en tant que chef d'orchestre ou co-leader et récolté 23 Grammys, plus que presque tout autre musicien. Il a également remporté trois Grammys latins.

 

En 2006, il a été nommé National Endowment for the Arts Jazz Master, la plus haute distinction décernée à un musicien de jazz américain.

 

Bien qu'il soit devenu le symbole du mouvement fusion, M. Corea n'a jamais placé beaucoup de valeur dans les catégories musicales. "Ce sont les médias qui sont tellement intéressés par la catégorisation de la musique", avait-t-il déclaré au Times en 1983, "les médias et les hommes d'affaires, qui, après tout, ont tout intérêt à garder le marketing clair et distinct. Si les critiques demandaient aux musiciens leur point de vue sur ce qui se passe, vous constateriez qu'il y a toujours une fusion de toutes sortes de musiques. Tout cela signifie un développement continu - une fusion continue de différents courants. "

 

Le premier mariage de M. Corea s’est terminé par un divorce. Il a par la suite rencontré Gayle Moran, qui est devenue sa deuxième épouse, dans les années 1970, quand il était dans Return to Forever et elle était chanteuse et claviériste avec le Mahavishnu Orchestra, un autre groupe de fusion de premier plan.

 

Elle lui survit, tout comme un fils, Thaddeus Corea; une fille, Liana Corea; et deux petits-enfants.

 

Au début des années 1970, M. Corea s'est converti à la Scientologie et les enseignements de la religion ont influencé une grande partie de sa musique à partir de ce moment-là, y compris son travail avec Return to Forever.

 

Armando Anthony Corea est né le 12 juin 1941 à Chelsea, dans le Massachusetts, près de Boston. Son père, également nommé Armando Corea, était trompettiste et chef d'orchestre à Boston, et sa mère, Anna (Zaccone) Corea, était une femme au foyer. Il a commencé à apprendre le piano à l'âge de 4 ans.

 

Son surnom lui a été donné par une tante, qui lui pinçait souvent les grosses joues (cheek) et l'appelait «cheeky». Le nom s'est finalement transformé en «Chick».

 

Il s’est installé à New York pour étudier à l'Université Columbia et à Juilliard, mais cela n'a duré que quelques mois. Comme Miles Davis une génération avant, quand il arriva à Juilliard en provenance de East St. Louis, Ill., M. Corea s'est rapidement retrouvé attiré hors des salles de classe par la vie des clubs. Certains de ses premiers concerts ont eu lieu par le biais des groupes des célèbres percussionnistes de jazz latino Mongo Santamaría et Willie Bobo, ainsi qu'avec le chanteur et chef d'orchestre de l'époque du swing, Cab Calloway.

 

En 1968, il a occupé le poste de pianiste du quintette influent de Davis, en remplacement de M. Hancock. Le groupe est rapidement entré en studio pour enregistrer les derniers morceaux qui compléteraient «Filles de Kilimandjaro», le premier album de Davis à avoir un piano électrique. Cela signalait l’adhésion croissante du trompettiste à la musique rock et funk, un mouvement encouragé par sa deuxième épouse, la chanteuse Betty Davis. (L'un des deux morceaux mettant en vedette M. Corea est un hommage à elle, les 16 minutes et demie de «Mademoiselle Mabry».)

 

Le groupe s'agrandit progressivement à mesure que Davis s'enfonça plus profondément dans le monde sonore trouble et tortueux de ses premiers albums fusion. Il a emmené une version du groupe de «Bitches Brew» au festival de l'île de Wight en 1970, le plus grand concert de sa carrière, devant un public de 600000 spectateurs.

 

Peu de temps après avoir joué ce concert, M. Corea et le bassiste Dave Holland quittèrent l’ensemble de Davis et se joignirent au batteur Barry Altschul et au saxophoniste Anthony Braxton pour fonder Circle, un groupe éphémère mais influent qui adopta une approche avant-gardiste.

 

M. Corea a fondé Return to Forever en 1971 avec M. Clarke, le saxophoniste et flûtiste Joe Farrell, le percussionniste Airto Moreira et la chanteuse Flora Purim. L'année suivante, le groupe sort son premier album aux teintes brésiliennes, intitulé simplement «Return to Forever», sur le label ECM.

 

Toujours en 1972, M. Corea s'est associé pour la première fois au vibraphoniste Gary Burton pour enregistrer un autre album pour le même label, «Crystal Silence». Les deux sont devenus des amis et des collaborateurs de longue date. Pris ensemble, les deux albums ECM représentaient quelque chose se rapprochant de l’étendue de l’identité de M. Corea en tant que musicien - allant du serein et méditatif au piquant et à la pression.

 

«Nous avons enregistré cet album en trois heures; chaque chanson sauf une était une première prise », a déclaré M. Burton dans une interview, rappelant les sessions« Crystal Silence ». Ils ont continué ensembles jusqu’à enregistrer sept albums en duo, et ils ont continué à se produire ensemble jusqu'à la récente retraite de M. Burton.

 

"Je n'arrêtais pas de penser:" Cela va sûrement s'essouffler ici à un moment donné "", a déclaré M. Burton. «Et ça ne l'a jamais fait. Même à la fin, nous sortions toujours excités et ravis de ce que nous faisions.

 

Return to Forever changeait fréquemment de personnel, mais sa formation la plus durable comprenait M. Corea, M. Clarke, le guitariste Al Di Meola et le batteur Lenny White. Cette itération de quatuor a sorti une série d'albums populaires - «Where Have I Known You Before» (1974), «No Mystery» (1975) et «Romantic Warrior» (1976) - qui s'appuyaient sur un style flamboyant et influencé par le hard rock , et chacun a atteint le Top 40 du classement des albums Billboard.

 

M. Corea a sorti un certain nombre d'autres albums fusion influents de son propre chef, y compris "My Spanish Heart" (1976) et une série d'enregistrements avec son Elektric Band et son Akoustic Band. Plus tard dans sa carrière, il s'est également plongé profondément dans la tradition classique occidentale, enregistrant des œuvres de compositeurs canoniques comme Mozart et Chopin, et composant un concerto entier pour orchestre classique.

 

«Sa polyvalence est incomparable dans le monde du jazz», a déclaré M. Burton. «Il a joué dans tellement de styles, de décors et de collaborations.»

 

En 1997, prononçant une allocution de remise de diplome au Berklee College of Music, M. Corea a dit aux membres de la promotion d'insister pour suivre leur propre voie. «C'est bien d'être soi-même», a-t-il dit. "En fait, plus vous êtes vous-même, plus vous gagnez d'argent."